RR · ART 炎炎夏日借艺术之力给心灵度个假

2024-07-24 01:08:13

　　RR · ART 炎炎夏日借艺术之力给心灵度个假自1960年始，表演便逐步与媒体艺术相结合，在现场经验与再生产、呈现与再现间摆荡，进而我们发觉，如今被称为经典的“行为艺术”，往往都以某种媒介化形式得以留存，而录像艺术无疑是其中很重要的一环。

　　一直以来，录像艺术与表演之间都存在着深厚的关联，录像化的表演或表演性的录像将身体与技术两种不同的话语糅合在一起，有机与人工、即时与记录、肉身与屏幕在此不可避免地发生着摩擦与交融。

　　从早期具备强烈观念色彩的录像表演作品开始，中国录像艺术中的表演因素逐步多元化，不同世代的艺术家携带着相异的技术、文化、社会以及诉求开展着自身的实践。

　　整个展览被划分为五个主题：“自传”、“事件”、“舞者”、“讲者”与“剧场”。每一个主题涉及一条独立的线索，以梳理这个交叉地带中纷繁复杂的现象。

　　“具身之镜”指向了这样一个事实，即录像并没有为表演带来新的“舞台”，而是一个通往世界的“镜面”或“出口”。

　　现在电影院还没有重开，在疫情期间只能透过手机、平板的小小屏幕来感受“影像艺术”，被憋坏的影像爱好者们，不妨亲临“具身之镜”的展览现场，感受录像艺术与表演之间不断变换的“过去、现在与未来”。

　　周迈由，一个少年经历了战乱，青年经历了动荡，启蒙于上海犹太艺术家，而后60多年的艺术生涯中虽历尽沧桑，却始终如一坚持独立创作的84岁艺术家。

　　从中国传统书画的启蒙到西方多元绘画风格的浸润，周迈由的艺术语言不拘一格。无论世事如何变迁， 他文弱的气质下始终跳动着一颗对绘画艺术的坚韧之心；他是浪漫自由的抒情诗人，艺术创作中闪烁着智性的光辉。

　　迄今为止，周迈由老先生的个人作品已经举办7次展览，是中国当代画家中自成一派又海纳百川的特殊存在。

　　周迈由老先生自小喜欢绘画，是中国前卫艺术的播种者。他在1940年代曾受教于一位在上海的犹太艺术家，到了1960年代，他的兴趣强烈地凝聚在印象派、立体派的艺术风格。70年代初期，他又对野兽派大师毕加索的画作产生浓厚兴趣。

　　这次展览清晰地展现出一幅周迈由先生画作灵感变换的地图，且循着这幅地图，更能直观地感受中国前卫艺术的发展路径。

　　朱金石从20世纪70年代加入中国前卫艺术家行列，先后参与了1979年的星星画展、80年代的抽象探索和“公寓艺术”活动、90年代的装置艺术试验，以及2000年以后兴起的中国抽象表现主义绘画和大型装置艺术实践。

　　为了充分叙述朱金石40余年的艺术实践，合艺术中心展出了朱金石的30余件作品，其中包括1979年在星星美展显现过的《雨伞》、80年代在居民楼里展出过的抽象绘画、90年代在寓所中摆放过的装置作品，以及2000年后的厚绘画作品。通过这些展品，我们可以清晰地看出朱金石的探索轨迹。

　　在30余件展品之中，朱金石的厚绘画作品占据了大多数。这些独特的厚绘画呈现出多种多样的色彩。朱金石的厚绘画作品，通过五颜六色的色块，在表达艺术家内在情感的同时，也对欣赏者的心理产生暗示，继而影响心理变化。特殊的色彩搭配，甚至能有助于心理疗愈。

　　此次特意以“木字”作为展览的命名，按照五行理论，木元素对应的方向是太阳升起的东方，对应的季节是鲜花盛开的春季。合艺术中心期待这个色彩缤纷的展览，不仅能够疗愈我们在新冠疫情期间遭受的创伤，而且还会给我们带来快乐和希望。

　　“心经”是继“九州行”之后，艺术家李津与玉兰堂的再度合作，展览于2020年5月30日开幕。本次展览展出作品将以疫情期间李津在北京的创作为主，延续艺术家原有的诙谐和趣味，在近三月的魔幻时代背景下，加入更多深度思考。

　　疫情期间，艺术家李津所迸发出来的创造力比以往更旺盛。原本就“高产”的他，在疫情的这几个月里澳门大阳城集团，创作密度更大，这使得他此次在玉兰堂画廊举办的最新个展“心经”呈现出大量的新作，以及更加丰富的面貌。

　　在此次展出的作品中，有大约三分之二都是疫情期间创作的。这些作品中能看到许多与疫情有关的元素，比如口罩，与以往不同的，人物脸上不再是喜悦的表情，取而代之的是惊恐、凝重的神情；攥着的拳头等等。

　　李钢善于运用不同的材料与媒介进行美学探索与实践，以独特的艺术语言探索事物发展的本源，将其转化为充满诗意的特别之物。他不拘泥于任何一种媒介进行创作，总是穿梭于不同的创作语言之间。

　　这次麦勒画廊举办李钢个人展览“裸色”，是李钢自2011年以来在麦勒画廊举办的第七次个展。此次展览，李钢将把艺术创作的时间轴拉回到最初的原点，展览梳理了李钢2008至2020年间的三组绘画系列作品，回到他最早产生兴趣的绘画上来，集中呈现自2008年以来的绘画实践。

　　裸色是每个人身上都有的颜色，属于每一个人。裸色是人自身的本色，不是特定的某一个颜色。看到裸色的人，仿佛就看到了他自己。和人一样，每件作品都有自己的裸色。这是作品的“肉身”的质地和颜色，呈露着作品的物质性存在。

　　在现代主义席卷全球的过程中，以纯粹形式为追求的抽象绘画成为艺术的主流，衍生出了各种各样的前卫艺术流派。

　　上世纪70至80年代的中国、日本和韩国各自经历着动荡和变革。在此特殊的时代背景下，亚洲艺术家们开始思考「艺术为何、何为艺术」，通过创作实验来探寻艺术，乃至现代社会的本质。此时兴起的抽象绘画，就是将表面现实中的非本质剔除与对本质提纯后所淬炼出的结晶。

　　亚洲抽象艺术从早期受到西方表现主义影响的先驱，到百花齐放的本土前卫艺术团体，再到世纪末生长于国际语境之下的新世代，亚洲抽象的形式不断突破更新，然而其中的核心精神未曾改变——在构建本土化美学语言的同时，积极地和世界进行对话。

　　此次展览以抽象艺术的发展轨迹为线索，从龙美术馆的收藏中甄选出由中日韩艺术家创作的40余件作品，回溯了20世纪下半叶东亚地区的文化演进与互动关系，并以创作手法、内容、媒介层面的突破作为延展讨论的具体切入点，探索艺术的可能性。

　　提到美国画家卡茨，人们马上会与具有广告般的简洁造型和平涂色彩联系在一起，其作品传递出的那种平和而悠远的诗意，总能让人驻足观望，流连忘返。

　　卡茨的艺术生涯始于上世纪50年代，那个时期正是一个不断探索、不断试验的时期，抽象和反传统成为时代的主流。亚历克斯·卡茨没有随波逐流，而是在自由借鉴大众流行文化、波普艺术、抽象表现主义和色域绘画等风格元素的基础上，开创了极具辨识度，拥有鲜明个人特质的极简主义美学。

　　作为现代最具影响力的艺术家之一，现年93岁的亚历克斯卡茨以独树一帜的人物肖像画和风景画闻名于世，对年轻一代艺术家产生了深刻影响。其作品已被全球一百多个艺术机构永久收藏，其中包括纽约现代艺术博物馆、大都会艺术博物馆、惠特尼美国艺术博物馆等。

　　本次展览是卡茨在中国的首次美术馆级大展，展览将通过涵盖绘画、雕塑和剪帖装置作品在内的30余件代表性作品，以及影像和书籍文献，展现卡茨近60年的创作脉络和其对具象绘画艺术执着不懈的探索。

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